A l’occasion de cette exposition, le Musée publie une monographie consacrée au travail de Jean-Luc Manz.

Créée en 1987, la Fondation Gustave Buchet a pour but d’entretenir vivant le souvenir du peintre Gustave Buchet (1888-1963), artiste vaudois actif à Paris durant l'entre-deux-guerres, marqué par le futurisme puis le purisme.
Instauré en 1993, le Prix Buchet a été attribué depuis lors aux artistes suivants :

Prix Buchet 1993 : Pierre Chevalley
Prix Buchet 2000 : Anne Blanchet
Prix Buchet 2003 : Christian Floquet
Prix Buchet 2006 : Hervé Graumann

Elisabeth Llach
Alles wird gut – Tout ira bien
En parallèle à Accrochage [Vaud 2010], une salle est réservée aux travaux d’Elisabeth Llach (*1970), lauréate du prix du jury 2009, pour son exposition Alles wird gut – Tout ira bien. Rassemblés sous ce titre inquiétant, des séries d’acryliques sur papier sont mises en résonance, assortiment d’univers visuels qui oscillent entre l’étrange et le familier, le théâtral et le banal, le féerique et le macabre, et dont les titres soulignent à leur tour le caractère ambigu. Ne t’inquiète pas, une série de petits formats initiée en 2007, explore ainsi de façon subtile ces ruptures de sens, des scènes de cirques ou de jeux apparemment innocents côtoyant d’étranges figures féminines aux corps déformés, voire mutilés. Tous les protagonistes de l’œuvre de Llach se conjugent  au féminin, et beaucoup proviennent du réservoir infini d’images qui peuplent l’histoire de l’art et les magazines féminins. Mais le passage du papier glacé au dessin les fait basculer dans une zone dépouillée de toute complaisance. Dans la série Stillleben débutée en 2009 et qui s’apparente à une galerie de portraits, les figures se détachent, seules, sur des fonds qui semblent empruntés à des décors d’opéra, et se déclinent comme autant de versions d’une comédie humaine aux accents cruels qui n’en finit pas de se répéter.

L’exposition est accompagnée d’une publication éditée par le Musée aux éditions Sang Bleu, avec des textes de Alice Henkes et Catherine Pavlovic (fr./angl./all.), CHF. 35.-

D'autres images                                        

En écho à la quatrième édition de Lausanne Jardins, le Musée des Beaux-Arts vous invite cet été à un voyage au paradis. Entrée libre pour une manifestation qui clôt la série en trois volets d’Hespérides, inaugurée en mars avec une invitation aux artistes Michel François et Jacques Vieille, et poursuivie en mai par trois journées de performances.

Eden, lieu des origines pour les trois grandes religions monothéistes, n’a cessé de fasciner les esprits. Associé à l’idée de jouissance et de promesse d’une vie harmonieuse, il est l’objet d’une éternelle nostalgie. La désobéissance d’Adam et Eve inaugure l’histoire de la connaissance. Mais leur expulsion du jardin clos les condamne à la mortalité, au nomadisme et à la discorde. La réflexion artistique accompagne l’évolution de la société dans son interrogation sur la possibilité – ou l’impossibilité – d’un retour à Eden. L’exposition articule trois moments de cette réflexion : l'exploration d'une terre post-édénique; l’utopie d’un nouvel âge d’or ; le deuil de l’innocence.

Puisant largement, mais non pas exclusivement, dans les fonds du Musée des Beaux-Arts, le parcours propose la rencontre avec des œuvres modernes, entre autres d’Alice Bailly, Ernest Biéler, Charles Blanc-Gatti,  Maurice Denis, Charles Gleyre, Ferdinand Hodler, Alexandre Perrier, Auguste Rodin, Ker-Xavier Roussel, Louis Soutter, Félix Vallotton. Le dialogue de ces « classiques » de la collection avec des œuvres contemporaines (André Décosterd, David Hominal, Alain Huck, Albert Oehlen, Giuseppe Penone, Eric Poitevin, Claudia Renna, Didier Rittener, Denis Savary, Stéphane Zaech, ...) montre comment notre époque envisage le retour à Eden, confrontée qu’elle se trouve à la menace pesant sur la biodiversité et à la hantise de la fin de la civilisation, voire de l’autodestruction du genre humain.

Sous le titre Hespérides II, le Musée cantonal des Beaux-Arts / Lausanne poursuit son exploration des thématiques du jardin et du territoire, en  l'occurence à travers la forme de la performance.
La programmation a été confiée 
à Sarah Zürcher. Ce médium inter-
disciplinaire - s'associant ici à la
danse, à l'architecture, au design,
à la musique et aux arts visuels en
général - est peut-être aussi la
forme artistique la plus ancienne
de l'humanité.

Programme complet

Michel François

Né en 1956 à Saint-Trond, Belgique, habitant Bruxelles, a participé à nombre d’importants rendez-vous : Documenta, Biennale de Venise, Biennale d’Istanbul, Sonsbeek, etc. Son œuvre multiple et complexe intègre tous les médias – photographie, sculpture, vidéo, installation – au service de recherches touchant à la vie dans tous ses états : la vie qui se forme et se défait, l’interaction entre les mondes minéral, végétal, animal et humain, la complémentarité des quatre éléments. François ne relève jamais les aspects spectaculaires, il montre la vie dans sa surprenante normalité et tente de rendre visible ce qui n’est habituellement pas vu. Ses jardins seront nécessairement arides, parsemés de cactus et d’orties, des terrains vagues, donc en friche et porteurs d’un projet. Ce sont des jardins-modèles multi-dimensionnels qui invitent à être entretenus.
Chez Michel François, tout est relationnel, en transformation, en processus, en réseau ; rien n’est jamais fixé, tout est flux, tout est réversible. En concevant une installation ou une exposition, l’artiste belge prend des images du monde afin de créer un lieu et fonder un territoire, afin de définir un champ et l’ouvrir en même temps. Jamais il n’occupera un espace (au sens militaire du terme), mais il cherchera à y déposer délicatement et temporairement des images, des objets, des gestes, souvent répétitifs. Il agit en arpenteur et pose des jalons – qui rendent compte du foisonnement des images, du mouvement des idées, du potentiel et des limites de notre perception prise dans son sens le plus large. Ce faisant, l’artiste belge questionne cette autre unité de mesure, notre corps, provoque des décalages qui attirent notre attention et nous invitent à interagir. Percevoir, c’est forcément voir autrement.

Jacques Vieille

Jacques Vieille a créé pour Hespérides une installation dont le motif principal est le mur. L’artiste français double le mur de l’entrée du musée d’un mur antique, ou, plus précisément, d’un fragment tiré d’un détail de l’appareillage de la muraille d’Ustrino sur la via Appia tel que représenté par Piranèse sur l’une des planches des Antiquités romaines. Vieille multiplie ce fragment, en fait un module qui lui permet de reconstruire un nouveau mur qui sera imprimé sur du papier calque, support utilisé par les architectes pour y coucher leurs plans. Du coup, le mur antique devient un mur fictif, un projet de mur ; et un mur amovible de surcroît puisque le papier calque est coupé en lamelles qui seront montées sur des tringles à rideaux. Le mur d’après Piranèse peut donc fonctionner comme un rideau de théâtre qui cache et qui révèle – les lamelles sont entrouvertes – le mur d’entrée du musée. Le dispositif est parfaitement symétrique : les murs inclinés suivent la pente des escaliers et convergent vers la porte d’entrée du musée située exactement au centre de la paroi. La porte du musée assimilée à la porte d’un paradis réservé à une élite ? Le musée considéré comme un jardin clôturé dont les trésors (les pommes d’or) seraient inaccessibles ? L’installation de Vieille traduit plutôt le vœu de rendre les murs du musée éphémères, manifeste la tentative du musée de se déployer littéralement extra muros, de mettre l’art à la portée des passants ou au moins de les inciter à regarder de plus près. Le dispositif est en effet « interactif » puisqu’il ne se révèle dans sa totalité que lorsque le spectateur se met en mouvement et emprunte l’un des escaliers latéraux. Il découvrira entre les lamelles inclinées un second rideau, de format beaucoup plus modeste, inséré dans les fenêtres existantes flanquant la porte d’entrée, et qui représente un fragment d’une illustration de Gustave Doré pour un roman d’Eugène Sue, Le Juif errant (1856) : paysage exotique sombre, palmeraie apparemment agitée par le vent. Il s’en suit un fascinant jeu de cache-cache à plusieurs niveaux : un mur escamote un autre mur ; un mur cache un jardin ; une gravure du XVIIIème siècle – le choix de Piranèse est parfaitement judicieux car le corps central du Palais de Rumine avec son escalier monumental ressemble en effet à certains espaces labyrinthiques que Piranèse a imaginés dans ses Prisons (Carceri d’Invenzione, 1750/61) – recouvre une gravure du XIXème ; une installation manifestement théâtrale dissimule une ironique mise en abyme de l’espace qui la reçoit ; une clôture révèle un musée retroussé vers l’extérieur, un musée-projet.

Suite >